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 Monet a peint sans relâche, souvent dans des conditions météorologiques brutales, pour tester son endurance physique ainsi que ses capacités d'observation. De 1882 à travers 1886 Monet a fait des voyages d'hiver annuels aux villages d'Etretat, Dieppe et Pourville le long de la côte de la Manche de la Normandie. Il a choisi des sites le long de la côte déchiquetée et installe son chevalet donnant sur la mer à partir d'un point de vue élevé.

En 1883, Monet voyage avec des amis Pierre Auguste Renoir à la Riviera station balnéaire de Bordighera. Ici Monet a trouvé une vision alternative à la lumière froide du Nord, et un défi sans précédent: les couleurs rayonnantes du sud de la Méditerranée. Pendant trois mois, Monet travaillait de l'aube au crépuscule, peinture sur quatre toiles à la fois, dans le but de capturer la couleur élevée, il vit partout autour de lui.

En 1886, Monet Paintings est allé à la côte de la Bretagne, attirée sur le terrain accidenté et des formations rocheuses déchiquetées qui surplombait sortir de la mer. Il a défini un désir de se tester en utilisant des tons plus sombres en contraste avec sa palette pâle habituelle. Pour ce faire, il a bravé les vents et les pluies des bourrasques de mer difficiles à capturer les tons plus profondes des roches quand ils étaient mouillés.

Pour toute son audace et de l'endurance, Monet a gagné beaucoup d'admiration et aussi transcendé sa réputation comme un impressionniste.
Pour en savoir plus sur la façon dont Monet est devenu le "poète épique de la nature,« voir ces peintures Claude Monet 1879-1886:

    Église à Vétheuil avec Snow: Eglise de Claude Monet à Vétheuil avec Snow a été peint à l'aide d'un coup de pinceau cassé pour suggérer la lueur d'hiver bas. En savoir plus sur l'Église à Vétheuil avec Snow, un tableau de Monet présenté à la quatrième exposition impressionniste.
    The Break-up de la glace: Claude Monet The Break-up de la glace est une scène de glisser la neige de l'hiver particulièrement rigoureux de 1879. En savoir plus sur The Break-up de la glace, qui est maintenant logé à l'Université du Michigan Museum of Art, Ann Arbor.
    Jardin de l'artiste à Vétheuil: jardin de l'artiste à Vétheuil dépeint les plus jeunes enfants de Claude Monet dans un chemin de jardin de tournesols géants. En savoir plus sur jardin de l'artiste à Vétheuil, un tableau dominé par des couleurs complémentaires.
    Bouquet de tournesols: Bouquet de Claude Monet de tournesols évoqué surprise et les éloges de la critique. En savoir plus sur Bouquet de tournesols, la maîtrise de Monet d'un floral plus traditionnel encore la vie.
    Cliff Walk à Pourville: Dans Cliff Walk à Pourville, Claude Monet représente Alice Hoschedé et sa fille regardant vers la mer d'été. En savoir plus sur Cliff Walk à Pourville, qui peut être vu à l'Art Institute de Chicago.
    Marée basse à Pourville près de Dieppe: Marée basse à Pourville près de Dieppe montre les falaises hausse d'une ville côtière française où Claude Monet a fait la résidence temporaire. En savoir plus sur Marée basse à Pourville près de Dieppe, un tableau sur les effets volatils de la nature.
    Cabine de la montre des douanes: Cabine de Claude Monet de la montre des douanes a une tonalité fraîche avec des fleurs roses argentées et des vagues de mousse à aigrettes. En savoir plus sur la cabine de la montre des douanes, une scène de la mer glacée de Pourville en fin d'hiver.
    La Falaise à Dieppe: Dans La Falaise à Dieppe, Claude Monet représente une falaise de craie blanche surmontée d'une vieille maison en pierre. En savoir plus sur La Falaise à Dieppe, peint par Monet comme il a parcouru la côte normande.
    Coucher de Soleil à Etretat: Coucher de soleil à Etretat montre la falaise accidentée côte de la Manche qui a donné Claude Monet nouvelle inspiration. En savoir plus sur Coucher de soleil à Etretat, une vue spectaculaire sur la mer au coucher du soleil.
    Le Manneporte (Etretat): In The Manneporte (Etretat), Claude Monet utilise coups de pinceau épais pour dépeindre le mouvement saccadé de la mer. En savoir plus sur Le Manneporte (Etretat), une peinture d'hiver logé au Metropolitan Museum of Art, New York.
    Villas à Bordighera, Italie: Villas à Bordighera, Italie chauffés palette habituellement pâle de Claude Monet. En savoir plus sur Villas à Bordighera, Italie, la nature vue de la vue d'une ville populaire station balnéaire méditerranéenne.
    Le départ des bateaux, Etretat: Au départ des bateaux, Etretat, Claude Monet représente un temps pluvieux dans un village de pêcheurs. En savoir plus sur le départ des bateaux, Etretat, un rivage peinture Monet créé à partir de son étage chambre d'hôtel supérieure.
    Étretat, Porte de Aval: Bateaux de pêche quittant le port: Etretat Claude Monet, porte de Aval: Les bateaux de pêche quittant le port est une scène de la falaise fait avec effet plus doux. En savoir plus sur Etretat, porte Aval: Les bateaux de pêche quittant le port, un tableau qui comprend la formation rocheuse Falaise d'Amont.

    Rochers à Belle-Isle, Port-Domois: En Rocks à Belle-Isle, Port-Domois, Claude Monet regarde vers le bas sur la côte rocheuse d'une mer agitée. En savoir plus sur Rocks à Belle-Isle, Port-Domois, un tableau avec un contraste profond en couleur et en course.
    Storm, Belle-Isle Côte: Pour la tempête, la côte de Belle-Isle, Monet a modifié sa palette pâle habituelle pour capturer un ciel de plomb. En savoir plus sur Storm, la côte de Belle-Isle, un exemple dramatique de la volonté de Monet à braver les éléments de la nature pour l'art.

fascination impressionniste de Claude Monet avec la nature commence par un hiver, le paysage enneigé. En savoir plus sur l'église de Monet à Vétheuil dans la section suivante.

    «L'artiste est impliqué dans l'art comme un mode de vie." *


George Rodrigue et moi discutons souvent la définition de l'art. Nous étudions le rôle de l'artisanat, le mercantilisme, l'art haute et basse, concluant toujours qu'il n'y a pas de réponse définitive, mais que le plaisir --- en effet la tradition --- réside dans les débats.

Idéalement, l'art reflète l'âme de l'artiste et stimule une connexion personnelle pour le spectateur. Lors de la création, cependant, l'artiste existe dans un lieu solitaire, séparé à la fois la pensée et la réalité des opinions et de l'influence des autres.

    "Je ne vois aucune nécessité d'une communauté», a déclaré l'artiste David Hare (1.917 à 1.992). "Un artiste est toujours solitaire. L'artiste est un homme qui fonctionne au-delà ou en avance sur sa société ".

(Photo, il n'a jamais le même, 2007 par George Rodrigue, acrylique sur toile, 36x24 pouces, sur la vue à Rodrigue Studio-)

Cette semaine, George et je lus conjointement les transcriptions du Studio 35, plus précisément un trois jours de collecte en 1950 de expressionnistes abstraits (bien qu'ils ont débattu cette étiquette ainsi), y compris Hans Hofmann, Robert Motherwell, Louise Bourgeois et quelques dizaines d'autres. Au cours de ces sessions fermées, les artistes ont débattu la terminologie et abordées des questions telles que,

Comment savez-vous quand un tableau est terminé? Est-il préférable de titre d'un tableau ou de lui donner un numéro? Si artwork signé? une ligne droite peut-elle être considérée comme une pure expression?

(Photo, cinq balles, 1963 par George Rodrigue Art for sale, huile sur toile, 40x40 pouces, cliquez sur la photo pour agrandir-)

Leurs commentaires couvraient la largeur de leur esprit, comme ils mélangés l'expérience, la contemplation et personnalités. Je demandai George questions aussi, parce que je reconnais dans ces artistes approches similaires à la sienne.

    "Je ne comprends pas, dans un tableau", a noté Ad Reinhardt (1.913 à 1.967), «l'amour de quoi que ce soit, sauf l'amour même de la peinture."


... Et de George Rodrigue:

    "Ma peinture préférée est toujours celle que je travaille en ce moment."



En discutant comment savoir quand un tableau est terminé, plusieurs artistes ont parlé de la nécessité de multiples travaux.

    "Voilà pourquoi il faut étudier dix à quinze peintures ensemble," intervint George, comme si il était assis sur cette session. "Si l'on se tient hors des autres, alors vous avez surchargé de travail, et il est trop.

    "Le groupe est plus important que la toile unique, surtout quand il vient à apprendre à arrêter. En regardant le groupe est le seul moyen de voir ce que vous faites. "

(Photo, George Rodrigue travaille sur les organismes dans son studio Carmel, 2004; cliquez sur la photo pour agrandir-)

processus et de la philosophie En ce qui concerne, le groupe n'a jamais accepté, réaffirmant la nature personnelle de l'art. Ils ont tous convenu dans leur licenciement, cependant, non seulement la popularité du public, mais aussi des musées et des universités, une ironie étant donné leur statut sur tous les fronts aujourd'hui. George, aussi, grumeaux ces publics ainsi:

    "Si vous essayez de peindre pour plaire à un public ou un critique," dit George, "vous ne serez jamais créer quelque chose de durable, rien de nouveau, ou quoi que ce soit purement votre propre."

Cette attitude dicte approche. Dans le cas de George, par exemple, il ignore la perception extérieure (le plus souvent, trop de Blue Dogs, ou pendant des années, trop de Oaks), en faveur de ce qu'il sait être vrai en ce qui concerne les défis à répéter ces sujets. Pour lui, comme il travaille au sein de cet environnement de toile à quatre côtés, les formes et les couleurs sont roi. Il est à cause de cette approche abstraite qu'il ne se lasse pas de ses sujets.

    "Une forme par rapport aux autres formes rend la 'expression;'. Pas une forme ou une autre, mais les relations entre les deux rend le« sens »-Hans Hofmann (1880-1966)

(Photo, La Piece Dernier Puzzle 2013 par George Rodrigue, acrylique sur toile, 40x60, cliquez sur la photo pour agrandir-)

Au moment où George a atteint l'école d'art dans les années 1960, ses professeurs ont parlé de «la mort de la peinture de chevalet.» Les mêmes musées et élite universitaire qu'une fois évité les expressionnistes abstraits maintenant vénérés leur mouvement, poussant à l'avant-garde de la culture populaire et . Pop Art était le petit nouveau sur le bloc, rejeté de la même manière que ses prédécesseurs.

(Photo, "Nous sommes tellement marcher sur une peinture Pollock," haleta sœurs et artistes Mallory page et Natalie Domingue, en visite récemment la maison et le studio de Jackson Pollock à East Hampton, New York, cliquez sur la photo pour agrandir-)

    «Je peux dire par leurs questions que ceux-ci sont tous les artistes des années 50", a poursuivi George sur les sessions studio 35. "Au fil du temps, les questions elles-mêmes ont répondu, parce que la progression de l'art - et non pas les artistes eux-mêmes - dicte la direction."


Wendy

* David Hare, à partir des sessions d'artistes au Studio 35 (1950), édité par Robert Goodnough, Soberscove Press / Wittenborn Art Books, 2009-

-Visite ce lien pour les derniers avis sur The Other Side of the peinture, publié Octobre 2013, UL Press-