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    «L'artiste est impliqué dans l'art comme un mode de vie." *


George Rodrigue et moi discutons souvent la définition de l'art. Nous étudions le rôle de l'artisanat, le mercantilisme, l'art haute et basse, concluant toujours qu'il n'y a pas de réponse définitive, mais que le plaisir --- en effet la tradition --- réside dans les débats.

Idéalement, l'art reflète l'âme de l'artiste et stimule une connexion personnelle pour le spectateur. Lors de la création, cependant, l'artiste existe dans un lieu solitaire, séparé à la fois la pensée et la réalité des opinions et de l'influence des autres.

    "Je ne vois aucune nécessité d'une communauté», a déclaré l'artiste David Hare (1.917 à 1.992). "Un artiste est toujours solitaire. L'artiste est un homme qui fonctionne au-delà ou en avance sur sa société ".

(Photo, il n'a jamais le même, 2007 par George Rodrigue, acrylique sur toile, 36x24 pouces, sur la vue à Rodrigue Studio-)

Cette semaine, George et je lus conjointement les transcriptions du Studio 35, plus précisément un trois jours de collecte en 1950 de expressionnistes abstraits (bien qu'ils ont débattu cette étiquette ainsi), y compris Hans Hofmann, Robert Motherwell, Louise Bourgeois et quelques dizaines d'autres. Au cours de ces sessions fermées, les artistes ont débattu la terminologie et abordées des questions telles que,

Comment savez-vous quand un tableau est terminé? Est-il préférable de titre d'un tableau ou de lui donner un numéro? Si artwork signé? une ligne droite peut-elle être considérée comme une pure expression?

(Photo, cinq balles, 1963 par George Rodrigue Art for sale, huile sur toile, 40x40 pouces, cliquez sur la photo pour agrandir-)

Leurs commentaires couvraient la largeur de leur esprit, comme ils mélangés l'expérience, la contemplation et personnalités. Je demandai George questions aussi, parce que je reconnais dans ces artistes approches similaires à la sienne.

    "Je ne comprends pas, dans un tableau", a noté Ad Reinhardt (1.913 à 1.967), «l'amour de quoi que ce soit, sauf l'amour même de la peinture."


... Et de George Rodrigue:

    "Ma peinture préférée est toujours celle que je travaille en ce moment."



En discutant comment savoir quand un tableau est terminé, plusieurs artistes ont parlé de la nécessité de multiples travaux.

    "Voilà pourquoi il faut étudier dix à quinze peintures ensemble," intervint George, comme si il était assis sur cette session. "Si l'on se tient hors des autres, alors vous avez surchargé de travail, et il est trop.

    "Le groupe est plus important que la toile unique, surtout quand il vient à apprendre à arrêter. En regardant le groupe est le seul moyen de voir ce que vous faites. "

(Photo, George Rodrigue travaille sur les organismes dans son studio Carmel, 2004; cliquez sur la photo pour agrandir-)

processus et de la philosophie En ce qui concerne, le groupe n'a jamais accepté, réaffirmant la nature personnelle de l'art. Ils ont tous convenu dans leur licenciement, cependant, non seulement la popularité du public, mais aussi des musées et des universités, une ironie étant donné leur statut sur tous les fronts aujourd'hui. George, aussi, grumeaux ces publics ainsi:

    "Si vous essayez de peindre pour plaire à un public ou un critique," dit George, "vous ne serez jamais créer quelque chose de durable, rien de nouveau, ou quoi que ce soit purement votre propre."

Cette attitude dicte approche. Dans le cas de George, par exemple, il ignore la perception extérieure (le plus souvent, trop de Blue Dogs, ou pendant des années, trop de Oaks), en faveur de ce qu'il sait être vrai en ce qui concerne les défis à répéter ces sujets. Pour lui, comme il travaille au sein de cet environnement de toile à quatre côtés, les formes et les couleurs sont roi. Il est à cause de cette approche abstraite qu'il ne se lasse pas de ses sujets.

    "Une forme par rapport aux autres formes rend la 'expression;'. Pas une forme ou une autre, mais les relations entre les deux rend le« sens »-Hans Hofmann (1880-1966)

(Photo, La Piece Dernier Puzzle 2013 par George Rodrigue, acrylique sur toile, 40x60, cliquez sur la photo pour agrandir-)

Au moment où George a atteint l'école d'art dans les années 1960, ses professeurs ont parlé de «la mort de la peinture de chevalet.» Les mêmes musées et élite universitaire qu'une fois évité les expressionnistes abstraits maintenant vénérés leur mouvement, poussant à l'avant-garde de la culture populaire et . Pop Art était le petit nouveau sur le bloc, rejeté de la même manière que ses prédécesseurs.

(Photo, "Nous sommes tellement marcher sur une peinture Pollock," haleta sœurs et artistes Mallory page et Natalie Domingue, en visite récemment la maison et le studio de Jackson Pollock à East Hampton, New York, cliquez sur la photo pour agrandir-)

    «Je peux dire par leurs questions que ceux-ci sont tous les artistes des années 50", a poursuivi George sur les sessions studio 35. "Au fil du temps, les questions elles-mêmes ont répondu, parce que la progression de l'art - et non pas les artistes eux-mêmes - dicte la direction."


Wendy

* David Hare, à partir des sessions d'artistes au Studio 35 (1950), édité par Robert Goodnough, Soberscove Press / Wittenborn Art Books, 2009-

-Visite ce lien pour les derniers avis sur The Other Side of the peinture, publié Octobre 2013, UL Press-

The strange and wild in soft and sensual, Jim Warren has been painting for over 30 years into the hearts and minds of people around the world. Already considered a "living legend in the world of design," Jim grows and changes constantly. Its diversity is singular portraits of celebrities, CEOs and families, illustrations of books, movies and album covers. In particular, Jim earned a Grammy Award for his design of the 1981 Bob Seger album "Against the Wind". Its splendid oil paintings included in major exhibitions in the world. Recent drawings of Jim and his classics, are now published in high quality limited edition (inkjet printing on canvas).

Born November 24, 1949 in Long Beach (California), Don and Betty Warren. His brother Rick was 2 and his sister Kathy, 5.

Beginnings: I started drawing at 1 year, as all children. I experienced the usual succession of choice of occupation: artist, magician, designer, rock star, designer, etc. I officially decided in high school, in 1967, a designer, a "rich and famous" precisely, was what I was going!

Tools: painting traditional oil on canvas I first smear of gesso. I only use brushes, no airbrushing, as some have thought sometimes.

Training design: basically I am self-taught. I learned some basics in high school drawing. In college I took several courses in life drawing, and I always studied the great masters in the museum.

design philosophy: to hell with the rules ... paint what you like.

Some of the favorite Jim achievements:

1975: I attended my first public exhibition, and I won first prize.

1978 Jazz greats Billy Cobham and George Duke ordered me the cover design of their first album.

1979 I received the first prize of Los Angeles Mayor Tom Bradley, the Westwood show.

1981 Grammy award for best presentation, for the first album of Bob Seger "Against the Wind".

1990: I painted "Earth ... Love It or Lose It". This design received congratulations from critics, was taken over in posters, magazines, billboards, T-shirts, etc., and quickly became the visual symbol of the global environmental movement.

1992 I launched the idea of ​​painters collaboration with the famous designer of marine, Wyland, exposing the specialties of the two artists ... marine (Wyland) and portraits (Jim).

1992-1993: Comic Images released two sets of Jim drawings trading cards. Each has 96 cards.

1997 to celebrate 30 years of drawing of Jim, his fans persuaded him to release his first book entitled "The Art of Jim Warren: An American Original".

2000 my biggest achievement to date, and which tolerates no rival, is the number of letters and calls I received from people telling me as my drawings were stimulated or had informed their days.

Now Jim Warren lives in Clearwater (Florida) with his wife, Cindy, his daughter Drew (born 1992) and son (born in 1994). Stepdaughter Rebecca (born 1974) lives in California. Jim believes that care for close family while having a demanding career is one of his greatest victories and thanked his family for their support and help. The whole family help for his drawings, assisting the art director, assistant (his wife) and Models (his children).

Translated from the author's website, with permission.

by Paintings for sale

Les jeunes filles ne reçoivent pas assez de crédit pour leur attitude courageuse envers la façon dont ils se présentent. Je ne l'avais pas vraiment pensé jusqu'à ce que je trouve @what_my_daughter_wore sur instagram, un projet par Jenny Williams qui documente les choix stylistiques quotidiens de préadolescentes. Dans un effort pour se concentrer davantage sur son art, Williams se mis au défi de tirer plus chaque jour. Être un séjour à la maison mère, elle était souvent assaillie par ses trois enfants et leurs nombreux amis tout en essayant de travailler. Au lieu de laisser son perturber, Williams a utilisé la folie de jeunesse comme une source d'inspiration.

Les muses de ce que ma fille Wore ne sont pas seulement sa fille, Clémentine, mais aussi ses amies. Ces dessins au crayon de couleur capturer expressivement la créativité enthousiaste chaque fille met en auto-expression à travers son apparence. Jenny Williams a dit que le "focus est les années de tween, parce qu'à cet âge il est toujours possible de trouver des enfants habiller entièrement pour eux-mêmes, sans tenir compte de l'évolution ou la pression des pairs." Il est vrai que si leur tenue semble loufoque ou chic, les filles sont tirées unselfconcious et sans prétention d'une manière qui vient comme une bouffée d'air frais. Si vous aimez ces chroniques de style courageux, consultez What My Daughter Wore livre!

from (Leroy Neiman)

Paintings for sale